La Giornata della memoria riporta alla considerazione degli artisti una questione che si ripropone dal dopoguerra, e che indubbiamente non può venire liquidata con banali prese di posizione acritiche.
Sono tuttavia di varia natura le considerazioni che mi inducono a rispondere affermativamente alla domanda. In primo luogo: la dimensione estetica è un aspetto costitutivo dell’uomo, non un accidente opzionale; l’uomo necessita del momento estetico come del nutrirsi – e a nessuno verrebbe in mente di negare l’opportunità di mangiare, dopo Auschwitz, anche se la coscienza di quegli accadimenti può togliere l’appetito (mentre una riflessione sull’opportunità di certi sprechi può certamente trovare una sponda nella coscienza del dopo-Olocausto). In secondo luogo: l’eliminare la poesia – che qui sta per arte in genere – dalle attività dell’uomo non farebbe che accrescere le possibilità di andare incontro a ripetizioni di analoghe situazioni; dove peraltro sarebbe lungo e complesso definire l’arte in termini che rispondano alla funzione qui accennata. Infine: il tempo ha rimarginato nella storia ferite gigantesche, e, se la memoria ci deve ammonire in modo da trarre utili indicazioni per il futuro, la tendenza a tornare alla quotidianità costituisce una delle risorse più inesauribili – e al tempo stesso uno dei limiti più radicati– dell’uomo.
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Gli ascoltatori di musica sono generalmente consapevoli solo in minima parte di quanta capacità di assimilazione della musica, sotto gli aspetti meccanici dell’esecuzione e sotto quelli interpretativi, sia necessaria ad un esecutore di alto livello; perché la grande interpretazione, benchè frutto di un continuo, inesauribile approfondimento, non può essere ottenuta da un infinito lavoro di ripetizione, per acquisire con sicurezza ogni aspetto virtuosistico ed ogni intenzione interpretativa; ciò porterebbe inevitabilmente ad esecuzioni meccaniche – e quante volte capita di percepire nelle esecuzioni passi estrapolati per lo studio, il cui significato resta avulso dal contesto della composizione!
Al grande interprete è quindi necessaria una facoltà eccezionalmente sviluppata di tenere a mente ogni aspetto motorio ed ogni dettaglio interpretativo – una quantità enorme di informazioni – con un lavoro che non sia soverchiante affinchè l’esecuzione non sfoci in ripetizione automatica, ovvero affinchè permanga sempre la freschezza di approccio necessaria ad esprimere l’emotività originariamente espressa dal brano interpretato.
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Un’esecuzione musicale, nel suo sviluppo temporale, può essere rappresentata come un processo continuo di tensione e distensione, di concentrazione ed allentamento di energia, risultante dall’effetto delle strutture ritmiche, melodiche, armoniche, dinamiche, timbriche, nonché dalla loro organizzazione in relazioni formali nel brano eseguito; ogni interprete parametra e regola questo gioco di tensione-distensione in base alla propria personalità ed all’influsso di diversi fattori esterni ( dall’acustica delle sale alla percezione della presenza del pubblico, ecc. ).
Tra i fattori che possono “distrarre” o disturbare il processo di distribuzione dell’energia secondo le esigenze delle macro e microstrutture della composizione vi è certamente l’impegno psicofisico profuso nel gesto esecutivo: l’aspetto gestuale dell’esecuzione può assorbire – o in altri casi viceversa far aumentare – l’energia espressiva convogliata nel discorso musicale, alterandone l’equilibrio immaginato originariamente dall’interprete.
Il sapersi ascoltare e l’acquisire una concezione chiara dell’organizzazione formale di ciò che si esegue contribuisce a risolvere, o a limitare questo problema, finora mai adeguatamente approfondito né dalla didattica, sotto l’aspetto pratico, né dalla musicologia, sotto l’aspetto teorico.
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